La narrazione di ogni storia ruota intorno al “conflitto” e quale conflitto più emblematico se non quello fisico? Il combattimento scenico è una disciplina performativa che permette di rappresentare situazioni di violenza fisica godibili per il pubblico tutelando allo stesso tempo l’incolumità degli attori. La scena può comprendere l’uso di armi o delle sole mani nude ed oltre alla mera rappresentazione dell’azione, permette di elevare ed approfondire il il racconto dei personaggi coinvolti, descrivendone carattere, stile e condizione senza l’utilizzo della parola.

La finalità delle lezioni è un lavoro, concentrato, sul rapporto con la macchina da presa, il cui fine è pedagogico e formativo. La recitazione cinematografica è una delicata combinazione di meticolosa preparazione e spontaneità. Partendo da qui analizzeremo quali sono gli strumenti che un attore deve padroneggiare quando è davanti alla MdP, un “corpo estraneo” ma sempre presente che, necessariamente, occorre conoscere ed amare. Solo attraverso questo percorso si riuscirà a catturare ogni emozione che l’attore riesce a trasmettere attraverso l’obiettivo. Ultimo ma, non meno determinante punto, mettere a fuoco la differenza che esiste tra la recitazione cinematografica e quella teatrale.

La narrazione di ogni storia ruota intorno al “conflitto” e quale conflitto più emblematico se non quello fisico? Il combattimento scenico è una disciplina performativa che permette di rappresentare situazioni di violenza fisica godibili per il pubblico tutelando allo stesso tempo l’incolumità degli attori. La scena può comprendere l’uso di armi o delle sole mani nude ed oltre alla mera rappresentazione dell’azione, permette di elevare ed approfondire il il racconto dei personaggi coinvolti, descrivendone carattere, stile e condizione senza l’utilizzo della parola.

Durante le lezioni si arriverà tramite il training a raggiungere la propria intimità e tutto ciò che essa contiene: felicità, sofferenza, amore, desiderio, passione, sogno, ecc ecc.. Lo sviluppo della concentrazione, della memoria e della conoscenza dei proprio mezzi fisici, per l’attore sono fondamentali per poter lavorare sul meccanismo dell’IO creativo e sul pensiero pensante e non pensato.

La tecnica del canto è quell’insieme di accorgimenti, appresi con l’allenamento e lo studio, necessari agli attori ad evitare danni alla laringe e per ottenere al contempo una voce timbricamente gradevole, potente e con un’ampia gamma cantabile, cioè un’estensione vocale dalla nota più bassa alla più alta in cui il timbro sia omogeneo e l’intonazione corretta e stabile.

La finalità delle lezioni è un lavoro, concentrato, sul rapporto con la macchina da presa, il cui fine è pedagogico e formativo. La recitazione cinematografica è una delicata combinazione di meticolosa preparazione e spontaneità. Partendo da qui analizzeremo quali sono gli strumenti che un attore deve padroneggiare quando è davanti alla MdP, un “corpo estraneo” ma sempre presente che, necessariamente, occorre conoscere ed amare. Solo attraverso questo percorso si riuscirà a catturare ogni emozione che l’attore riesce a trasmettere attraverso l’obiettivo. Ultimo ma, non meno determinante punto, mettere a fuoco la differenza che esiste tra la recitazione cinematografica e quella teatrale.

sviluppare una personale espressività corporea/motoria al di là di modelli e codici precostituiti, possibilità di esprimersi attraverso il linguaggio del movimento , percezione di se stessi (propriocezione), sviluppare la conoscenza del proprio corpo e le sue funzioni senso-percettive, sensibilità cinestetica – competenza d’azione – orientamento nello spazio e nel tempo – economia del movimento (collaborazione di singole parti del corpo, coordinazione, impiego di forza proporzionale all’azione progettata, rapporto con la forza di gravità…) – qualità del movimento (processi motori chiari, eleganza e armonia dei movimenti)

Questa materia si concentra , sulla difficoltà degli attori di avere la così tanto cercata “naturalezza” soprattutto sui contatti fisici di ogni genere. Questo corso si propone di far cadere qualsiasi tipo di inibizione, sia nei confronti dei colleghi di lavoro, sia rispetto alla macchina da presa.

Il mio studio prevederà un percorso all’interno di sè per far emergere le emozioni, senza resistenze o paure di espressione. Interpretare è “vivere in maniera vera all’interno di circostanze immaginarie”, cioè condurre un’azione a partire da un impulso emotivo: senza intervento della ragione, senza paura del giudizio, senza temere di mettere in gioco anche l’aspetto più autentico di sé. Faremo questo attraverso il suono della voce.
La nostra voce svela la parte più intima che abbiamo senza doverci spogliare. Recitare è anche non aver paura di mostrarsi nelle proprie fragilità e sentimenti più intimi.

“Ho ricevuto soltanto una scena, non conosco il mio personaggio, non conosco la storia…”
Quante volte si sente o si pensa questa frase…è un errore, un pigro meccanismo di difesa: così facendo si creano le condizioni per avere attenuanti al non superamento di un provino, al non approfondimento di un testo o di un personaggio. Ebbene quello che faremo nelle ore di lavoro insieme verterà tutto sulla maniacale analisi del testo scelto.
Una scena, si anche una sola scena di poche pagine, può contenere un universo di informazioni che possono bastare per comprendere il contesto, i personaggi e le loro psicologie. Mediante un accurato lavoro di analisi a tavolino delle scene, proveremo ad esplorare le infinite possibilità di interpretazione che le singole scene hanno, soffermandoci in particolare su tutto ciò che può essere costruito mediante sottolivelli di significato: i sottotesti. Ovvero ciò che può essere comunicato senza dover necessariamente essere evocato, riuscendo a dare quindi complessità alla scena e ai personaggi e creando curiosità e fascinazione nello spettatore.